Από αφίσες της Μπελ Επόκ έως ριζοσπαστική επιτελεστική τέχνη, το 2025 έφερε εκθέσεις που διεύρυναν τα όρια και άνοιξαν ουσιαστικούς διαλόγους.
Αν κάτι απέδειξε το 2025, είναι ότι το κέντρο βάρους του κόσμου της τέχνης μετατοπίζεται. Ναι, το Παρίσι έφερε υπερπαραγωγές: ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ σχεδόν έκανε ορισμένους κριτικούς να δακρύσουν στο Ίδρυμα Λουί Βιτόν, ενώ το Μουσείο Ορσέ μας θύμισε γιατί οι αφίσες της Μπελ Επόκ εξακολουθούν να έχουν σημασία.
Ωστόσο, μερικές από τις πιο συναρπαστικές στιγμές της χρονιάς σημειώθηκαν μακριά από τις παραδοσιακές πρωτεύουσες της τέχνης: η Κεντρική Ασία ανέδειξε θεσμούς και διοργανώσεις που αλλάζουν το παιχνίδι, ενώ η Κύπρος εγκαινίασε το πρώτο της διεθνές φουάρ τέχνης. Από την ατρόμητη θεατρικότητα του Λι Μπάουερι στο Τέιτ Μόντερν έως τις ωμές εξομολογήσεις της Τρέισι Έμιν στη Φλωρεντία, επρόκειτο για εκθέσεις που απαιτούσαν προσοχή, όχι μόνο για όσα παρουσίαζαν, αλλά και για τον τρόπο με τον οποίο αναδιαμόρφωσαν τη συζήτηση γύρω από τη θέση της τέχνης στον κόσμο.
Η τέχνη στον δρόμο στο Μουσείο Ορσέ
Η εις βάθος ματιά του Μουσείου Ορσέ στην κουλτούρα της αφίσας της Μπελ Επόκ έδειχνε αναπάντεχα επίκαιρη για μια έκθεση γύρω από τη διαφήμιση του 19ου αιώνα. Συγκεντρώνοντας σχεδόν 230 έργα, από Τουλούζ-Λοτρέκ, Μούχα, Σερέ και τους Ναμπί, η έκθεση ιχνογράφησε πώς οι εικονογραφημένες αφίσες μετέτρεψαν το Παρίσι σε πεδίο οπτικής απόλαυσης. Αυτό που την έκανε να χτυπά φλέβα ήταν η προσοχή στον δρόμο ως ταυτόχρονα γκαλερί και πεδίο σύγκρουσης: οι κολόνες Μορίς και οι άνθρωποι-σάντουιτς δεν ήταν απλώς χαριτωμένες ιστορικές υποσημειώσεις, ήταν τα social media της εποχής τους. Η έκθεση τοποθέτησε ευφυώς την αφίσα ως ριζοσπαστική εκδημοκρατικοποίηση, «τέχνη για όλους» προτού κανείς αρχίσει να βάζει hashtag στην προσβασιμότητα. Σε συνεργασία με την Εθνική Βιβλιοθήκη της Γαλλίας, ήταν η πρώτη έκθεση αυτού του μεγέθους αφιερωμένη στους «Δασκάλους της Αφίσας» και διατύπωσε πειστικό επιχείρημα υπέρ του να παίρνουμε στα σοβαρά την εμπορική τέχνη.
Μπιενάλε Μπουχάρα
Η σκηνή της σύγχρονης τέχνης της Κεντρικής Ασίας αυτοσυστήθηκε με σοβαρές προθέσεις, όταν η παρθενική Μπιενάλε Μπουχάρα μετέτρεψε τις μαντράσες και τα καραβανσεράγια της ουζμπεκικής πόλης σε εκθεσιακούς χώρους. Σε επιμέλεια της Νταϊάνα Κάμπελ και με τίτλο «Συνταγές για ραγισμένες καρδιές», η δεκαβδομαδιαία διοργάνωση έφερε σε ζευγάρια πάνω από 70 διεθνείς καλλιτέχνες με τοπικούς Ουζμπέκους τεχνίτες, επιμένοντας στην ισότιμη αναγνώριση και των δύο. Η σύλληψη, που στηριζόταν στον μύθο ότι ο Ιμπν Σίνα επινόησε το πλοβ για να γιατρέψει έναν ερωτοχτυπημένο πρίγκιπα, έθεσε με ευφυή τρόπο το ερώτημα ποιος πιστώνεται τι στις συνεργατικές πρακτικές. Αντί να αντιμετωπίσει την αρχιτεκτονική της Μπουχάρα, αναγνωρισμένη από την UNESCO, ως απλό σκηνικό, η μπιενάλε έβαλε κατοίκους και επισκέπτες σε συζητήσεις για την κληρονομιά και τη σύγχρονη ταυτότητα. Με τον Άντονι Γκόρμλεϊ και τους Slavs and Tatars δίπλα σε τοπικούς δημιουργούς, και με τον ουσιαστικό διάλογο να αντικαθιστά την τυπική συμπερίληψη, πρότεινε ένα φρέσκο μοντέλο για τις διεθνείς μπιενάλε σε μια εποχή κόπωσης από τις διοργανώσεις.
Leigh Bowery! στο Τέιτ Μόντερν
Ο φόρος τιμής του Τέιτ Μόντερν στον Λι Μπάουερι ήταν μια καθυστερημένη αναγνώριση για έναν καλλιτέχνη που αρνήθηκε κάθε κατηγοριοποίηση. Η έκθεση απλώθηκε στην περφόρμανς, την κουλτούρα των κλαμπ, τη μόδα και την τέχνη του σώματος, γιατί ο Μπάουερι δεν έβλεπε σύνορα ανάμεσά τους. Εκείνα τα εμβληματικά «Looks» (ο όρος «κοστούμια» είναι πολύ περιοριστικός) παρουσιάστηκαν δίπλα σε συνεργασίες με όλους, από τον Λούσιαν Φρόιντ μέχρι τον Μάικλ Κλαρκ, δείχνοντας πώς ο Μπάουερι ανανοηματοδότησε τα ρούχα ως γλυπτική και το σώμα του ως εργαλείο διαρκούς μεταμόρφωσης. Αυτό που προέκυψε ήταν και ένα πορτρέτο της νυχτερινής ζωής του Λονδίνου τη δεκαετία του 1980 και του 1990 και μια σοβαρή αποτίμηση του πώς η ατρόμητη στάση του Μπάουερι απέναντι στο φύλο, τη σεξουαλικότητα και την αισθητική εξακολουθεί να αντηχεί. Η έκθεση δεν εξωράισε τις προκλήσεις ή τις υπερβολές του· αντίθετα, ανέδειξε τον τρόπο με τον οποίο αμφισβήτησε τις νόρμες ευπρέπειας, δημιουργώντας ταυτόχρονα μια πραγματικά πρωτοποριακή οπτική κουλτούρα.
VIMA Art Fair
Η Κύπρος είχε τη στιγμή της στη διεθνή σκηνή τέχνης με το VIMA, το πρώτο διεθνές φουάρ σύγχρονης τέχνης του νησιού. Φιλοξενημένο σε ένα παλιό οινοποιείο της Λεμεσού με θέα στη θάλασσα, έμοιαζε αναζωογονητικά οικείο σε σύγκριση με τον εξαντλητικό κύκλο Βασιλεία, Μαϊάμι και Παρίσι. Είκοσι επτά γκαλερί από όλη την Κύπρο, την Ελλάδα, τον Λίβανο, τα ΗΑΕ, τη Νιγηρία, το Ηνωμένο Βασίλειο και ακόμη παραπέρα τεκμηρίωσαν την Κύπρο ως ζωτικό σταυροδρόμι ανάμεσα στην Ευρώπη, τη Μέση Ανατολή και την Αφρική. Ο κατάλογος συμμετοχών εντυπωσίασε, με το The Breeder από την Αθήνα, το Tiwani Contemporary, το The Third Line από το Ντουμπάι, όμως αυτό που μετρούσε ήταν ο ουσιαστικός διάλογος που καλλιέργησε το VIMA ανάμεσα στα περιφερειακά οικοσυστήματα. Το μεγάλο πρότζεκτ του επιμελητή Λουντοβίκ Ντελαλάντ, «The Posterity of the Sun», έδωσε το εννοιολογικό στίγμα, ενώ οι ομιλίες και οι περφόρμανς κράτησαν την ενέργεια ψηλά. Για ντεμπούτο, απέδωσε πολύ πάνω από τις προσδοκίες.
David Hockney, 25 στο Ίδρυμα Λουί Βιτόν
Διαφημισμένη ως εστίαση στα τελευταία 25 χρόνια, αυτή η ογκώδης έκθεση γύρισε πονηρά πίσω έως το 1955, ξεκινώντας με το πορτρέτο που ζωγράφισε ο 18χρονος Χόκνεϊ του πατέρα του, λογιστή στο επάγγελμα. Περισσότερα από 400 έργα γέμισαν το κτήριο του Ιδρύματος Louis Vuitton του Φρανκ Γκέρι (ο αρχιτέκτονας είχε και το δικό του πορτρέτο στην έκθεση), από ζωγραφική και ψηφιακές δουλειές σε iPhone και iPad μέχρι εμβυθιστικές βιντεοεγκαταστάσεις. Αυτό που θα μπορούσε να φανεί ως αυταρέσκεια, αντίθετα, ανέδειξε έναν καλλιτέχνη που εξακολουθεί να πειραματίζεται, που παραμένει περίεργος. Τα διεθνή δάνεια ήταν εντυπωσιακά, με ιδρύματα από το Όσλο έως τη Μελβούρνη να συνεισφέρουν, και η προσωπική εμπλοκή του Χόκνεϊ σε κάθε λεπτομέρεια ήταν εμφανής. Ήταν η μεγαλύτερη έκθεση του καλλιτέχνη μέχρι σήμερα και κάτι παραπάνω από ξεχωριστή, με έναν κριτικό να δηλώνει ότι συγκινήθηκε έως δακρύων.
Εγκαίνια του Μουσείου Τεχνών Αλμάτι
Μαζί με τη Μπιενάλε Μπουχάρα, ο Σεπτέμβριος έφερε μια ακόμη σημαντική στιγμή για τη σύγχρονη τέχνη της Κεντρικής Ασίας, όταν το Μουσείο Τεχνών Αλμάτι άνοιξε τις πόρτες του. Χρηματοδοτημένο από τον επιχειρηματία Νουρλάν Σμαγκούλοφ και σχεδιασμένο από την Chapman Taylor με αρχιτεκτονικά στοιχεία που αντηχούν τα όρη Τιέν Σαν, το ALMA έγινε το πρώτο ιδιωτικό μουσείο μοντέρνας και σύγχρονης τέχνης στην περιοχή. Η εναρκτήρια έκθεση συνέζευξε μια συλλογή 700 έργων καζαχικής και κεντροασιατικής τέχνης με μια ατομική αναδρομική της Αλμαγκιούλ Μενλιμπάγεβα, της οποίας η διερεύνηση του μύθου, της μνήμης και της γεωγραφίας έθεσε τον τόνο. Οι υπαίθριες παραγγελίες του Γίνκα Σονιμπάρε και του Χάουμε Πλένσα, μαζί με Artist Rooms με έργα των Ρίτσαρντ Σέρα και Γιαγιόι Κουσάμα, έδειξαν φιλοδοξίες που υπερβαίνουν την περιφερειακή εστίαση. Η καλλιτεχνική διευθύντρια Μερουγιέρτ Καλίγεβα το παρουσίασε ως γέφυρα γενεών καλλιτεχνών, από εκείνους που ρίσκαραν διώξεις υπό το σοβιετικό καθεστώς μέχρι τους σημερινούς δημιουργούς.
Συναντήσεις: Τζιακομέτι, Barbican
Η ετήσια σειρά του Barbican που αντιπαραβάλλει τον Αλμπέρτο Τζιακομέτι με σύγχρονους γλύπτες έμοιαζε γόνιμη και όχι φθηνό εύρημα. Σε συνεργασία με το Fondation Giacometti, ξεκίνησε με τη Χούμα Μπάμπα, συνέχισε με τη Μόνα Χατούμ (με τη Λίντα Μπένγκλις να ακολουθεί το 2026) και δημιούργησε διαγενεακούς διαλόγους γύρω από τον θάνατο, τον κατακερματισμό, τη μνήμη και το τραύμα. Οι επίμηκες, μεταπολεμικές φιγούρες του Τζιακομέτι, η απάντησή του στη φρίκη του Β΄ Παγκοσμίου Πολέμου και ο στοχασμός του πάνω στην ανθρώπινη μορφή, βρήκαν πραγματική απήχηση σε σύγχρονους καλλιτέχνες που επεξεργάζονται τις δικές τους στιγμές κρίσης. Ο νέος, οικείος χώρος επέτρεψε κοντινή θέαση, αντί για την κατακλυσμιαία αίσθηση μιας υπερπαραγωγής.
Tracey Emin: Sex and Solitude στο Παλάτσο Στρότσι
Η πρώτη μεγάλη θεσμική έκθεση της Τρέισι Έμιν στην Ιταλία έφερε την εξομολογητική της ένταση στο Παλάτσο Στρότσι της Φλωρεντίας. Σε επιμέλεια του Αρτούρο Γκαλανσίνο, το «Sex and Solitude» παρουσίασε πάνω από 60 έργα, από ζωγραφική, σχέδιο και κέντημα μέχρι νέον και γλυπτική. Το πλαίσιο είχε σημασία: οι ωμές διερευνήσεις της Έμιν γύρω από το σώμα και την επιθυμία δημιούργησαν προκλητικές τριβές με την αναγεννησιακή κληρονομιά της Φλωρεντίας, ενώ ταυτόχρονα την τοποθέτησαν μέσα στη βαθιά ιστορία της τέχνης της πόλης. Έργα που αγγίζουν την αγάπη, την απώλεια, την αρρώστια και την ανάρρωση έμοιαζαν επιτακτικά, ταυτόχρονα απερίφραστα και εξαιρετικά ευάλωτα. Παρότι το χρονικό εύρος των έργων ήταν μεγάλο, η Έμιν τόνισε σε συνέντευξη πριν από τα εγκαίνια ότι δεν επρόκειτο για «ανασκόπηση». «Δεν μου αρέσουν οι αναδρομικές ή οι εκθέσεις-πανοράματα. Μου αρέσει να ζω το τώρα», είπε.
Κίφερ / Βαν Γκογκ στη Royal Academy
Η λιτή, τριών αιθουσών έκθεση της Royal Academy ιχνογράφησε πώς ο Βίνσεντ βαν Γκογκ στοιχειώνει τον Άνσελμ Κίφερ εδώ και σχεδόν 60 χρόνια. Ξεκίνησε με τον 18χρονο Κίφερ να λαμβάνει μια υποτροφία ταξιδιού για να ακολουθήσει το μονοπάτι του Βαν Γκογκ από την Ολλανδία, μέσω Βελγίου, έως την Αρλ. Σε συνεργασία με το Μουσείο Βαν Γκογκ του Άμστερνταμ, η έκθεση αντιπαρέβαλε έργα και των δύο για να αναδείξει τις κοινές εμμονές με τη μυθολογία, τη φιλοσοφία και το βάρος της ιστορίας, σεβόμενη τις διακριτές προσεγγίσεις τους. Τα μνημειακά έργα και γλυπτά του Κίφερ, επηρεασμένα από τον πρωτοποριακό μεταϊμπρεσιονισμό του Βαν Γκογκ, απέκτησαν νέο πλαίσιο, ενώ τα τελευταία έργα του Βαν Γκογκ, του 1890, έμοιαζαν σαν να ζωντάνεψαν ξανά. Νέα έργα του Κίφερ, που παρουσιάστηκαν για πρώτη φορά, απέδειξαν ότι εξακολουθεί να αντλεί από εκείνη την πρώτη συνάντηση. Η στοχευμένη παρουσίαση επέτρεψε στο κοινό να ανιχνεύσει την επιρροή χωρίς να υπερβάλλει τη συνάφεια.
Από την καρδιά στο χέρι: Dolce & Gabbana στο Grand Palais
Η μόδα είχε τη στιγμή της στο μουσείο όταν ο Ντομένικο Ντόλτσε και ο Στεφάνο Γκαμπάνα κατέλαβαν το παρισινό Grand Palais για να γιορτάσουν 40 χρόνια μαξιμαλιστικού οράματος. Μετά το ντεμπούτο του στο Μιλάνο, το «Du Coeur à La Main» ξεδιπλώθηκε σε 1.200 τετραγωνικά μέτρα και τρία επίπεδα στο Παρίσι, με 200 κομμάτια Alta Moda και Alta Sartoria, 300 χειροποίητα αξεσουάρ και 130 έργα τέχνης σε 12 εντυπωσιακά ταμπλό. Σε επιμέλεια της Φλοράνς Μίλερ, τοποθέτησε εύστοχα τη δεξιοτεχνία των D&G στην ευρύτερη καλλιτεχνική κληρονομιά της Ιταλίας. Η από κοντά θέαση της τέχνης τους (εκείνες οι θέσεις της πρώτης σειράς που οι περισσότεροι δεν θα αποκτήσουμε ποτέ) αποκάλυψε καθαρή μαστοριά κάτω από τη θεατρική υπερβολή.